La lumière est impossible à retenir, mais elle a le pouvoir de captiver, de créer des liens et d’inspirer. Chez « Baccarat Hotel » à New York, la lumière est bien plus qu’un simple élément de design. Elle s’inscrit dans un héritage séculaire façonné par le cristal, le savoir-faire artisanal et la création d’expériences inoubliables. La série « Artist Series », conçue et organisée par Orange York, rassemble des créateurs visionnaires dont le travail reflète cet esprit. Peu d’artistes contemporains explorent sa puissance émotionnelle avec autant de finesse que Grimanesa Amorós, dont les installations lumineuses ont illuminé des espaces publics à travers le monde.

Née au Pérou et reconnue à l'échelle internationale pour ses œuvres mêlant art, technologie et narration culturelle, Amorós transforme la lumière en un vecteur de connexion. Ses installations invitent le public à faire une pause, à réfléchir et à découvrir des lieux familiers sous un jour inattendu. Dans le cadre de la série « Artist Series » d'Baccarat Hotel , à New York, elle revient sur les moments qui ont façonné sa vision artistique, sur l'influence de son héritage péruvien et sur la capacité intemporelle de la lumière à rassembler les gens.

Entretien avec Grimanesa Amorós

Qu'est-ce qui vous a d'abord attiré vers la lumière en tant que moyen d'expression artistique, et en quoi cela a-t-il influencé la manière dont vous racontez des histoires à travers votre travail ?

Mon parcours avec la lumière a commencé lors d’un voyage en Islande en 2001. J’ai eu la chance d’admirer les aurores boréales, et cela m’a coupé le souffle. Je me souviens m’être exclamée « Waouh » encore et encore. J’avais mon appareil photo avec moi, mais je l’ai posé pour profiter pleinement de l’instant. Je voulais partager cette magie avec les autres. Ce fut le début de ma relation avec la lumière, et dès lors, je suis devenue fascinée par la manière d’intégrer son caractère éphémère dans mon travail. J’ai commencé à expérimenter avec différents matériaux pour recréer ce sentiment d’émerveillement et de présence que j’avais ressenti sous ce ciel. La lumière n’est pas quelque chose que l’on peut tenir ou posséder, et c’est en partie ce mystère qui m’attire vers elle.

En quoi votre héritage péruvien et vos souvenirs de votre pays d'origine ont-ils influencé votre vision artistique ? Pourriez-vous nous présenter une œuvre dans laquelle ce lien vous semble particulièrement significatif ?

Mon héritage péruvien transparaît dans bon nombre de mes œuvres, comme « UROS HOUSE », inspirée du peuple des Uros qui vit encore aujourd’hui sur le lac Titicaca. Les îles des Uros flottent sur le lac, et depuis des siècles, les Uros construisent ces petites îles à partir des roseaux qui poussent dans le lac. Les couches inférieures se décomposent tandis que les habitants ajoutent des roseaux à l’ top, les renouvelant ainsi en permanence. Ce n’est là qu’une des nombreuses œuvres qui reflètent mes racines. Les Péruviens sont très débrouillards, comme en témoignent les îles flottantes, et cette caractéristique s’est répercutée all dans mon travail.
Une autre œuvre récente que j’ai réalisée pour le LA Phil, RADIANCE, s’est inspirée de Prométhée : Le Poème du Feu, op. 60 (1910), et de la divinité inca Viracocha. Tout comme Alexandre Scriabine cherchait à unir la musique et la couleur dans ses compositions, RADIANCE a fusionné la lumière et l’espace pour créer une expérience qui transcende le récit de Prométhée, le découvreur des origines de l’humanité, et du dieu inca Viracocha, le créateur et dispensateur de sagesse. Ces deux figures symbolisent le recours à la lumière comme quête de connaissance et d’illumination.
Notre passé façonne notre présent ; c’est pourquoi la culture revêt une importance capitale à mes yeux.

Vos installations monumentales allient art, lumière et technologie. Comment parvenez-vous à transformer une idée ou une émotion initiale en une expérience physique pour le public ?

L'art peut être individuel et collectif ; il est les deux à la fois. L'espace public me permet de partager la lumière avec les autres, et c'est ce que j'ai toujours voulu faire à travers mon œuvre : partager avec les autres et exprimer ce que j'ai à dire. L’art nourrit l’esprit, et la créativité s’exprime dans des domaines d’ all . L’art public permet à quelqu’un qui ne mettrait peut-être jamais les pieds dans un musée ou une galerie de découvrir l’art de manière inattendue. Certaines personnes ne se sentent pas à l’aise dans ces environnements, mais rendre l’art public le rend accessible. Peut-être sont-elles en route pour le travail, ou accompagnées de leurs enfants ; peut-être ne m’accordent-elles que deux secondes de leur temps, et je parviens à les faire s’arrêter, réfléchir, se sentir inspirées et entrer en connexion avec l’œuvre d’art.

Dans les espaces publics, la jeune génération peut entrer en contact avec les œuvres d'art, laisser libre cours à son imagination et trouver l'inspiration pour partager ses idées et s'exprimer face au monde.

En quoi le caractère d’un lieu influence-t-il ce que vous créez pour lui ? Un cadre particulier a-t-il déjà orienté votre travail dans une direction inattendue ?

Je dis toujours que ma vie est une histoire d’amour avec l’inconnu. Heureusement, je suis toujours prête. La seule fois où j’ai dû revoir mon concept en raison de contraintes architecturales, c’était pour mon œuvre *THE MIRROR CONNECTION*, exposée au musée d’art de la CAFA à Pékin. J’ai dû revoir complètement mon concept visuel après avoir appris sur place qu’Arata Isozaki n’autorisait aucun perçage dans les sols ou les murs.

Malgré tout, nous y sommes parvenus, et le résultat s'est avéré magnifique. Cela m'a rappelé que rien n'est impossible. Un parfait exemple de cette romance que constitue la vie avec l'inconnu.

Lorsque vous réfléchissez à votre travail sous les lustres emblématiques de Baccarat, quels parallèles établissez-vous entre votre utilisation de la lumière et la longue tradition de Baccarat, qui consiste à transformer la lumière en moments de beauté et de partage ?

La lumière, que nous ne pouvons pas posséder, est éphémère ; je peux la guider, exploiter sa présence dans l'art et créer mes séquences et mes sculptures grâce à elle. La lumière est unique ; elle peut rassembler les gens, capter leur attention et créer une expérience partagée.