Le sable, le sel et le verre sont des matériaux que nous côtoyons sans cesse sans jamais vraiment y prêter attention. Entre les mains de Fernando Mastrangelo, ils se transforment en paysages sculpturaux qui attirent d’abord le regard avant de dévoiler, au fil du temps, leurs histoires les plus profondes. C’est une transformation que Baccarat connaît bien : le cristal, lui aussi, naît d’une matière première pour devenir, grâce au savoir-faire artisanal, un objet lumineux.

Né aux États-Unis et ayant grandi à Monterrey, au Mexique, ainsi qu’à Buenos Aires, cet artiste et designer basé à New York a étudié la sculpture et travaillé aux côtés de Matthew Barney avant de développer ses propres techniques à base de sable, de sel, de silice et de verre en poudre. Ses œuvres font désormais partie des collections permanentes du Brooklyn Museum et du Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum. Sa dernière série, intitulée « Territories », explore les thèmes de la terre, de la propriété et de l’appartenance. La série « The Artist Series » organisée à l’ Baccarat Hotel , à New York, sous la direction artistique et la production d’Orange York, rassemble des artistes dont le travail reflète cet attachement aux matériaux et à l’artisanat. Dans le cadre de cette série, nous avons discuté avec Fernando des matériaux qu’il a appris à modeler, de la frontière entre l’art et le design, et des raisons pour lesquelles l’artisanat trouve un écho si fort dans un monde de plus en plus numérique.

Entretien avec Fernando Mastrangelo

Vous avez passé vos années de formation entre les États-Unis, le Mexique et l'Argentine. Avec le recul, en quoi ces expériences ont-elles façonné votre conception du lieu, et comment cette perspective continue-t-elle d'influencer votre travail aujourd'hui ?

Le fait d'avoir grandi dans différents pays m'a permis de comprendre très tôt que notre rapport au lieu est extrêmement subjectif. Chaque pays possède sa propre identité culturelle, son architecture, ses paysages et sa relation aux matériaux. Le fait de passer de l'un à l'autre m'a fait prendre conscience de ces différences, mais aussi à quel point notre environnement façonne notre vision du monde.

Je pense que cette expérience a éveillé en moi une fascination pour les paysages et la géographie qui m'a accompagnée tout au long de ma carrière. Je m'intéresse à la manière dont un lieu peut receler des souvenirs, une identité et une histoire, souvent sans que ces éléments soient immédiatement visibles. Dans mes œuvres récentes, le paysage est devenu un moyen d'explorer ces idées. Ce qui semble beau ou serein à première vue peut cacher des histoires bien plus complexes.

Le sable, le sel, la silice et la poudre de verre font désormais partie intégrante de votre langage artistique. Qu'est-ce qui vous attire vers ces matériaux, et quelles possibilités offrent-ils que les matériaux sculpturaux plus traditionnels ne proposent pas ?

J’ai toujours été attirée par les matériaux qui dégagent une certaine authenticité. Le sable, le sel et le verre sont des éléments incroyablement primitifs. Ce sont des matériaux que l’on croise sans cesse, mais auxquels on s’arrête rarement pour y prêter attention. Il y a quelque chose de fascinant à prendre quelque chose de si familier et à lui donner une présence totalement différente.
Ce que j’aime par-dessus tout, c’est que ces matériaux ont leur propre personnalité. Le sable a un poids et une texture particuliers, le sel se cristallise de manière inattendue, et le verre en poudre capte et réfracte la lumière à merveille. J’ai passé des années à mettre au point des procédés qui me permettent de les manipuler, mais il y a toujours une part d’imprévisibilité. D’une certaine manière, j’ai dû inventer mon propre savoir-faire autour de ces matériaux. Il n’existait pas de technique établie que je pouvais simplement suivre. Ce processus d’expérimentation est devenu pour moi aussi important que l’œuvre achevée elle-même. Je pense que c’est ce qui continue de m’enthousiasmer : même après all s ces dernières années, il y a encore tant de choses que je n’ai pas découvertes.

Votre pratique oscille avec aisance entre la sculpture et le design d'objet de collection, donnant naissance à des œuvres à la fois fonctionnelles et expressives. Qu'avez-vous découvert à travers cette rencontre entre les deux disciplines, et en quoi cela a-t-il influencé votre façon d'envisager la création ?

J'ai toujours trouvé la distinction entre l'art et le design un peu restrictive. Historiquement, nous avons créé ces catégories pour nous aider à comprendre les objets, mais je ne pense pas qu'un artiste doive nécessairement s'y conformer. Pour moi, le mobilier a toujours été une occasion supplémentaire d'explorer la sculpture. Une table ou une armoire peut transmettre des idées, susciter des émotions et remettre en question notre conception de ce qu'un objet est censé être. Le fait qu’un objet ait une fonction implicite ne doit pas nécessairement définir sa valeur artistique.
Ces dernières années, j’ai développé un intérêt croissant pour l’approfondissement de cette relation. Je me soucie moins de savoir si une œuvre s’inscrit parfaitement dans la catégorie de l’art ou du design que de déterminer si elle a quelque chose de significatif à exprimer. Je souhaite créer des objets qui contribuent à un débat plus large, plutôt que de simplement occuper un espace.

Bon nombre de vos œuvres transforment des matériaux ordinaires, souvent négligés, en objets d’une beauté et d’une pérennité remarquables. En quoi cet acte de transformation façonne-t-il les histoires que vous souhaitez faire passer à travers votre travail ?

La transformation a toujours été au cœur de ma pratique. J’adore l’idée qu’un matériau aussi ordinaire que le sable puisse devenir quelque chose qui semble précieux, monumental, voire impossible. Mais je pense aussi que la beauté est un moyen incroyablement puissant de captiver les gens. Je cherche à créer quelque chose qui attire le regard, puis révèle une autre dimension de sens à mesure que l’on s’y attarde. Cette tension entre l’expérience immédiate d’un objet et les idées qui le sous-tendent est un sujet sur lequel je réfléchis beaucoup ces derniers temps. 

Dans mes paysages récents, par exemple, j’explore la manière dont des lieux d’une beauté extraordinaire peuvent également receler des histoires de conflits, de propriété et de division. Les matériaux deviennent alors un moyen d’exprimer cette complexité. Vous serez peut-être d’abord interpellé par la couleur ou la texture de l’œuvre, mais j’espère que vous repartirez en réfléchissant à quelque chose qui dépasse l’objet lui-même.

Dans le cadre de la série « Artful Conversations » de Baccarat, vous prendrez la parole sous les lustres emblématiques de l’hôtel qui, à l’instar de votre propre travail, célèbrent la transformation des matières premières grâce au savoir-faire artisanal. Dans un monde qui privilégie de plus en plus le virtuel et l’éphémère, qu’est-ce qui, selon vous, attire aujourd’hui les gens vers les objets faits main et les expériences tangibles ?

Je pense que nous vivons actuellement un moment culturel intéressant. Une grande partie de notre vie se déroule désormais à travers des écrans, et nous sommes entourés d’images qui peuvent être créées, manipulées et consommées presque instantanément. Cette expérience ne présente pratiquement aucune friction. Un objet physique nous demande autre chose. Il occupe de l’espace, il a un poids, une texture, des imperfections et une histoire qui explique sa création. On peut ressentir le temps et le travail qui ont été nécessaires à sa fabrication. Je pense que les gens sont de plus en plus attirés par cela, car cela offre quelque chose que le monde numérique ne peut pas entièrement reproduire.

Ce que je trouve particulièrement intéressant dans l’artisanat, c’est qu’il incarne un savoir accumulé. C’est quelque chose qui se construit à travers la répétition, les échecs, l’expérimentation et des années de travail manuel. C’est en tout cas ce que j’ai moi-même vécu. Et il y a quelque chose de merveilleux à avoir cette conversation chez Baccarat, où le cristal et la lumière créent une expérience sensorielle si extraordinaire. Cela nous rappelle que les matériaux ont encore le pouvoir de nous surprendre, et que la relation entre un objet et la personne qui le découvre peut être profondément émouvante.