Zand, zout en glas zijn materialen die we voortdurend tegenkomen, maar waar we zelden bij stilstaan. In de handen van Fernando Mastrangelo veranderen ze in sculpturale landschappen die eerst de aandacht trekken en na verloop van tijd hun diepere verhalen onthullen. Het is een transformatie die Baccarat maar al te goed kent: ook kristal begint als ruwe grondstof en wordt door vakmanschap tot iets stralends.

De in de Verenigde Staten geboren en in Monterrey (Mexico) en Buenos Aires opgegroeide kunstenaar en ontwerper, die tegenwoordig in New York woont, studeerde beeldhouwkunst en werkte onder Matthew Barney, voordat hij zijn eigen technieken ontwikkelde met zand, zout, silica en glaspoeder. Zijn werk is nu opgenomen in de permanente collecties van het Brooklyn Museum en het Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, en zijn nieuwste serie, *Territories*, verkent de thema’s land, eigendom en erbij horen. De Artist Series bij Baccarat Hotel New York, samengesteld en geproduceerd door Orange York, brengt kunstenaars samen wier werk deze toewijding aan materiaal en vakmanschap weerspiegelt. Als onderdeel van de serie spraken we met Fernando over de materialen die hij heeft leren bewerken, de grens tussen kunst en design, en waarom het handgemaakte zo sterk resoneert in een steeds digitaler wordende wereld.

In gesprek met Fernando Mastrangelo

Je hebt je jeugd doorgebracht in de Verenigde Staten, Mexico en Argentinië. Als je terugkijkt, hoe hebben die ervaringen dan je begrip van ‘plaats’ gevormd, en hoe blijft dat perspectief je werk vandaag de dag beïnvloeden?

Doordat ik in verschillende landen ben opgegroeid, besefte ik al vroeg dat onze band met een plek ontzettend subjectief is. Elk land heeft zijn eigen culturele identiteit, architectuur, landschap en omgang met materialen. Door tussen die landen heen te reizen, werd ik me bewust van die verschillen, maar ook van de grote invloed die onze omgeving heeft op de manier waarop we de wereld zien.

Ik denk dat die ervaring een fascinatie voor landschap en geografie heeft gewekt die me mijn hele carrière is bijgebleven. Ik ben geïnteresseerd in de manier waarop een plek herinneringen, identiteit en geschiedenis kan bevatten, vaak zonder dat die dingen op het eerste gezicht zichtbaar zijn. In mijn recente werk is het landschap een manier geworden om die ideeën te verkennen. Wat aan de oppervlakte mooi of sereen lijkt, kan onder de oppervlakte veel complexere verhalen in zich dragen.

Zand, zout, siliciumdioxide en glaspoeder zijn een kenmerkend onderdeel van je artistieke taal geworden. Wat trekt je aan in deze materialen, en welke mogelijkheden bieden ze die meer traditionele beeldhouwmaterialen niet bieden?

Ik heb me altijd aangetrokken gevoeld tot materialen die een zekere eerlijkheid uitstralen. Zand, zout en glas zijn ongelooflijk elementair. Het zijn materialen die we voortdurend tegenkomen, maar waar we zelden bij stilstaan. Er is iets fascinerends aan het nemen van iets zo vertrouwds en het een geheel andere uitstraling te geven.
Wat ik het mooiste vind, is dat deze materialen hun eigen persoonlijkheid hebben. Zand heeft een bepaald gewicht en een bepaalde textuur, zout kristalliseert op onverwachte manieren en glaspoeder vangt het licht prachtig op en breekt het. Ik heb jaren besteed aan het ontwikkelen van processen waarmee ik ze kan bewerken, maar er blijft altijd een element van onvoorspelbaarheid. In zekere zin heb ik mijn eigen ambacht rond deze materialen moeten uitvinden. Er was geen gevestigde techniek die ik zomaar kon volgen. Dat proces van experimenteren is voor mij net zo belangrijk geworden als het voltooide werk zelf. Ik denk dat dat is wat me blijft boeien: zelfs na all al die jaren is er nog steeds zoveel dat ik niet heb ontdekt.

Je werk beweegt zich soepel tussen beeldhouwkunst en verzamelobjecten, waarbij je werken creëert die zowel functioneel als expressief zijn. Wat heb je ontdekt door die kruising, en hoe heeft dit je manier van denken over het maken van kunst beïnvloed?

Ik heb het onderscheid tussen kunst en design altijd een beetje beperkend gevonden. Historisch gezien hebben we deze categorieën in het leven geroepen om objecten beter te kunnen begrijpen, maar ik denk niet dat een kunstenaar zich per se aan die categorieën hoeft te houden. Voor mij is meubilair altijd een extra mogelijkheid geweest om beeldhouwkunst te verkennen. Een tafel of een kast kan ideeën overbrengen, emoties oproepen en ons begrip van wat een object hoort te zijn op de proef stellen. Het feit dat het een impliciete functie heeft, hoeft de artistieke waarde ervan niet te bepalen.
De afgelopen jaren ben ik steeds meer geïnteresseerd geraakt in het verder verkennen van die relatie. Het gaat mij er minder om of iets netjes in de categorie kunst of design past, en meer of het werk iets zinvols te zeggen heeft. Ik wil objecten maken die bijdragen aan een groter gesprek, in plaats van alleen maar ruimte in te nemen.

In veel van je werken verander je alledaagse, vaak over het hoofd geziene materialen in voorwerpen van opmerkelijke schoonheid en duurzaamheid. Hoe beïnvloedt die transformatie de verhalen die je met je werk hoopt over te brengen?

Transformatie heeft altijd centraal gestaan in mijn werk. Ik vind het een prachtig idee dat een alledaags materiaal als zand kan uitgroeien tot iets dat kostbaar, monumentaal of zelfs onmogelijk aanvoelt. Maar ik denk ook dat schoonheid een ongelooflijk krachtige manier is om mensen aan te spreken. Ik ben geïnteresseerd in het creëren van iets dat je visueel aantrekt en vervolgens een extra betekenislaag onthult als je er wat langer bij stilstaat. Die spanning tussen de onmiddellijke ervaring van een object en de ideeën erachter is iets waar ik de laatste tijd veel over nadenk. 

In mijn recente landschapswerken onderzoek ik bijvoorbeeld hoe plekken die buitengewoon mooi lijken, tegelijkertijd een geschiedenis van conflicten, eigendom en verdeeldheid kunnen dragen. De materialen vormen een manier om die complexiteit tot uitdrukking te brengen. Misschien val je in eerste instantie op de kleur of textuur van het werk, maar hopelijk ga je weg met gedachten die verder reiken dan het object zelf.

Als onderdeel van de reeks ‘Artful Conversations’ van Baccarat zult u spreken onder de iconische kroonluchters van het hotel, die – net als uw eigen werk – de transformatie van ruwe materialen door vakmanschap vieren. Wat trekt mensen volgens u tegenwoordig aan in handgemaakte voorwerpen en tastbare ervaringen, in een wereld waarin het virtuele en het vluchtige steeds meer voorop staan?

Ik denk dat we een interessant cultureel moment doormaken. Zo veel van ons leven speelt zich tegenwoordig af via schermen, en we worden omringd door beelden die vrijwel onmiddellijk kunnen worden gecreëerd, gemanipuleerd en geconsumeerd. Die ervaring verloopt vrijwel zonder weerstand. Een fysiek object vraagt iets anders van ons. Het neemt ruimte in, het heeft gewicht, textuur, onvolkomenheden en een geschiedenis over hoe het tot stand is gekomen. Je kunt de tijd en de arbeid voelen die in het maken ervan zijn gestoken. Ik denk dat mensen zich daar steeds meer toe aangetrokken voelen, omdat het iets biedt wat de digitale wereld niet volledig kan evenaren.

Wat ik bijzonder interessant vind aan vakmanschap, is dat het staat voor opgebouwde kennis. Het is iets dat tot stand komt door herhaling, mislukkingen, experimenteren en jarenlang met je handen werken. Dat is in ieder geval mijn ervaring. En het is geweldig om dit gesprek te voeren bij Baccarat, waar kristal en licht zo’n buitengewone zintuiglijke ervaring creëren. Het herinnert ons eraan dat materialen nog steeds de kracht hebben om ons te verrassen, en dat de relatie tussen een object en degene die het ervaart, zeer emotioneel kan zijn.