Sabbia, sale e vetro sono materiali che incontriamo continuamente e sui quali raramente ci soffermiamo a riflettere. Nelle mani di Fernando Mastrangelo, si trasformano in paesaggi scultorei che catturano immediatamente lo sguardo e rivelano, col passare del tempo, le loro storie più profonde. È una trasformazione che Baccarat conosce bene: anche il cristallo nasce come materia prima e, grazie all’arte artigianale, diventa qualcosa di luminoso.

Nato negli Stati Uniti e cresciuto a Monterrey, in Messico, e a Buenos Aires, l’artista e designer, che vive a New York, ha studiato scultura e ha lavorato con Matthew Barney prima di sviluppare le proprie tecniche utilizzando sabbia, sale, silice e vetro in polvere. Le sue opere fanno ora parte delle collezioni permanenti del Brooklyn Museum e del Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, e la sua ultima serie, “Territories”, esplora i temi della terra, della proprietà e dell’appartenenza. La serie «The Artist Series» presso l’ Baccarat Hotel di New York, curata e prodotta da Orange York, riunisce artisti il cui lavoro riflette questa dedizione alla materia e all’artigianato. Nell’ambito della serie, abbiamo parlato con Fernando dei materiali che ha imparato a modellare, dello spazio tra arte e design e del motivo per cui l’artigianato risuona così fortemente in un mondo sempre più digitale.

A colloquio con Fernando Mastrangelo

Hai trascorso gli anni della tua formazione tra gli Stati Uniti, il Messico e l’Argentina. Guardando indietro, in che modo quelle esperienze hanno plasmato la tua concezione del luogo e in che modo quella prospettiva continua a influenzare il tuo lavoro oggi?

Crescere tra paesi diversi mi ha fatto capire fin da piccolo che il nostro rapporto con il luogo in cui viviamo è incredibilmente soggettivo. Ogni paese ha la propria identità culturale, la propria architettura, il proprio paesaggio e il proprio rapporto con i materiali. Spostarmi da uno all’altro mi ha reso consapevole di queste differenze, ma anche di quanto l’ambiente che ci circonda influenzi il modo in cui vediamo il mondo.

Credo che quell’esperienza abbia suscitato in me un fascino per il paesaggio e la geografia che mi ha accompagnato per tutta la mia carriera. Mi interessa il modo in cui un luogo possa racchiudere memoria, identità e storia, spesso senza che questi aspetti siano immediatamente visibili. Nei miei lavori più recenti, il paesaggio è diventato un modo per esplorare queste idee. Ciò che in superficie appare bello o sereno può nascondere storie ben più complesse.

Sabbia, sale, silice e vetro in polvere sono diventati un elemento caratteristico del tuo linguaggio artistico. Cosa ti attrae di questi materiali e quali possibilità offrono che i mezzi scultorei più tradizionali non offrono?

Sono sempre stata attratta dai materiali che trasmettono una certa sincerità. La sabbia, il sale e il vetro sono incredibilmente elementari. Sono materiali che incontriamo costantemente, ma sui quali raramente ci soffermiamo a riflettere. C’è qualcosa di affascinante nel prendere qualcosa di così familiare e conferirgli una presenza completamente diversa.
Ciò che amo di più è che questi materiali hanno una loro personalità. La sabbia ha un peso e una consistenza particolari, il sale cristallizza in modi inaspettati e il vetro in polvere cattura e rifrange la luce in modo meraviglioso. Ho trascorso anni a sviluppare processi che mi consentissero di manipolarli, ma c’è sempre un elemento di imprevedibilità. In un certo senso, ho dovuto inventare la mia tecnica artistica attorno a questi materiali. Non esisteva una tecnica consolidata che potessi semplicemente seguire. Quel processo di sperimentazione è diventato per me importante quanto l’opera finita stessa. Penso che sia proprio questo a continuare ad appassionarmi: anche dopo un all i questi anni, c’è ancora così tanto che non ho scoperto.

Il tuo lavoro si muove con fluidità tra la scultura e il design da collezione, dando vita a opere che sono al tempo stesso funzionali ed espressive. Cosa hai scoperto attraverso questa intersezione e in che modo ha influenzato il tuo modo di concepire la creazione?

Ho sempre trovato la distinzione tra arte e design un po’ limitante. Storicamente, abbiamo creato queste categorie per aiutarci a comprendere gli oggetti, ma non credo che un artista debba necessariamente operare al loro interno. Per me, l’arredamento è sempre stato un’ulteriore opportunità per esplorare la scultura. Un tavolo o un mobile possono comunicare idee, suscitare emozioni e mettere in discussione la nostra concezione di ciò che un oggetto dovrebbe essere. Il fatto che abbia una funzione implicita non deve necessariamente definirne il valore artistico.
Negli ultimi anni, mi sono interessato sempre di più a spingere oltre questo rapporto. Mi interessa meno che qualcosa rientri perfettamente nella categoria dell’arte o del design e mi interessa di più che l’opera abbia qualcosa di significativo da dire. Voglio creare oggetti che contribuiscano a un dialogo più ampio, piuttosto che limitarsi a occupare uno spazio.

Molte delle tue opere trasformano materiali comuni, spesso trascurati, in oggetti di straordinaria bellezza e durata. In che modo questo atto di trasformazione influenza le storie che speri che le tue opere trasmettano?

La trasformazione è sempre stata al centro della mia pratica artistica. Adoro l’idea che un materiale così comune come la sabbia possa diventare qualcosa che appare prezioso, monumentale o addirittura impossibile. Ma penso anche che la bellezza sia un modo incredibilmente potente per coinvolgere le persone. Mi interessa creare qualcosa che attiri visivamente l’attenzione e che poi riveli un altro livello di significato una volta che ci si sofferma a osservarlo. Quella tensione tra l’esperienza immediata di un oggetto e le idee che stanno dietro di esso è qualcosa su cui sto riflettendo molto ultimamente. 

Nei miei recenti paesaggi, ad esempio, sto esplorando come luoghi che appaiono straordinariamente belli possano anche racchiudere storie di conflitti, proprietà e divisioni. I materiali diventano un modo per esprimere tale complessità. Forse all’inizio si viene attratti dall’opera per il suo colore o la sua consistenza, ma spero che alla fine si esca da lì riflettendo su qualcosa che va oltre l’oggetto stesso.

Nell’ambito della serie “Artful Conversations” di Baccarat, interverrai sotto gli iconici lampadari dell’hotel che, proprio come il tuo lavoro, celebrano la trasformazione delle materie prime attraverso l’artigianato. In un mondo che privilegia sempre più il virtuale e l’effimero, cosa pensi che attiri oggi le persone verso gli oggetti fatti a mano e le esperienze tangibili?

Credo che stiamo vivendo un momento culturale interessante. Gran parte delle nostre vite ormai si svolge attraverso gli schermi, e siamo circondati da immagini che possono essere create, manipolate e consumate quasi istantaneamente. In quell’esperienza c’è pochissimo attrito. Un oggetto fisico ci richiede qualcosa di diverso. Occupa spazio, ha un peso, una consistenza, delle imperfezioni e una storia che racconta come è nato. Si percepiscono il tempo e il lavoro necessari per realizzarlo. Credo che le persone ne siano sempre più attratte perché offre qualcosa che il mondo digitale non riesce a replicare appieno.

Ciò che trovo particolarmente interessante nell’artigianato è che rappresenta un patrimonio di conoscenze accumulate. È qualcosa che si sviluppa attraverso la ripetizione, gli insuccessi, la sperimentazione e anni di lavoro manuale. Questa è stata sicuramente la mia esperienza. E c’è qualcosa di meraviglioso nel poter avere questa conversazione proprio da Baccarat, dove il cristallo e la luce creano un’esperienza sensoriale così straordinaria. Ci ricorda che i materiali hanno ancora il potere di sorprenderci e che il rapporto tra un oggetto e chi lo vive può essere profondamente emotivo.