La arena, la sal y el cristal son materiales con los que nos encontramos constantemente y en los que rara vez nos paramos a pensar. En manos de Fernando Mastrangelo, se convierten en paisajes escultóricos que atraen la mirada en un primer momento y revelan sus historias más profundas con el paso del tiempo. Es una transformación que Baccarat conoce bien: el cristal también parte de la materia prima y se convierte en algo luminoso gracias a la artesanía.

Nacido en Estados Unidos y criado en Monterrey (México) y Buenos Aires, este artista y diseñador afincado en Nueva York estudió escultura y trabajó con Matthew Barney antes de desarrollar sus propias técnicas con arena, sal, sílice y vidrio en polvo. Su obra forma parte actualmente de las colecciones permanentes del Museo de Brooklyn y del Cooper Hewitt, Museo Smithsonian de Diseño, y su última serie, «Territories», explora los conceptos de territorio, propiedad y pertenencia. La serie «The Artist Series» de Baccarat Hotel Nueva York, comisariada y producida por Orange York, reúne a artistas cuya obra refleja esta devoción por los materiales y la artesanía. Como parte de la serie, hablamos con Fernando sobre los materiales que ha aprendido a moldear, el espacio entre el arte y el diseño, y por qué lo hecho a mano tiene tanto eco en un mundo cada vez más digital.

En conversación con Fernando Mastrangelo

Pasaste tus años de formación entre Estados Unidos, México y Argentina. Echando la vista atrás, ¿cómo han influido esas experiencias en tu forma de entender el concepto de «lugar» y cómo sigue esa perspectiva marcando tu trabajo hoy en día?

El hecho de haber crecido entre diferentes países me hizo comprender desde muy temprana edad que nuestra relación con el lugar es increíblemente subjetiva. Cada país tiene su propia identidad cultural, arquitectura, paisaje y relación con los materiales. El hecho de moverme de uno a otro me hizo darme cuenta de esas diferencias, pero también de hasta qué punto nuestro entorno determina nuestra forma de ver el mundo.

Creo que esa experiencia despertó en mí una fascinación por el paisaje y la geografía que me ha acompañado a lo largo de toda mi carrera. Me interesa cómo un lugar puede albergar recuerdos, identidad e historia, a menudo sin que esos elementos sean visibles a primera vista. En mi obra más reciente, el paisaje se ha convertido en una forma de explorar esas ideas. Lo que a simple vista parece bello o sereno puede esconder historias mucho más complejas.

La arena, la sal, la sílice y el vidrio en polvo se han convertido en un elemento característico de tu lenguaje artístico. ¿Qué te atrae de estos materiales y qué posibilidades ofrecen que no ofrecen los medios escultóricos más tradicionales?

Siempre me han atraído los materiales que tienen cierta honestidad. La arena, la sal y el vidrio son increíblemente elementales. Son materiales con los que nos encontramos constantemente, pero en los que rara vez nos paramos a pensar. Hay algo fascinante en tomar algo tan familiar y dotarlo de una presencia totalmente diferente.
Lo que más me gusta es que estos materiales tienen su propia personalidad. La arena tiene un peso y una textura particulares, la sal se cristaliza de formas inesperadas y el vidrio en polvo capta y refracta la luz de forma preciosa. He dedicado años a desarrollar procesos que me permitan manipularlos, pero siempre hay un elemento de imprevisibilidad. En cierto modo, he tenido que inventar mi propio oficio en torno a estos materiales. No existía una técnica establecida que pudiera seguir sin más. Ese proceso de experimentación se ha vuelto tan importante para mí como la propia obra terminada. Creo que eso es lo que sigue entusiasmándome: incluso después de all todos estos años, todavía hay mucho que no he descubierto.

Tu obra se mueve con fluidez entre la escultura y el diseño de objetos de colección, creando obras que son a la vez funcionales y expresivas. ¿Qué has descubierto a través de esa intersección y cómo ha influido en tu forma de concebir la creación?

Siempre me ha parecido que la distinción entre arte y diseño es un poco limitante. Históricamente, hemos creado estas categorías para ayudarnos a comprender los objetos, pero no creo que un artista tenga que trabajar necesariamente dentro de ellas. Para mí, el mobiliario siempre ha sido otra oportunidad para explorar la escultura. Una mesa o un armario pueden transmitir ideas, evocar emociones y cuestionar nuestra concepción de lo que se supone que debe ser un objeto. El hecho de que tenga una función implícita no tiene por qué definir su valor artístico.
En los últimos años, me ha interesado cada vez más llevar esa relación más allá. Me preocupa menos si algo encaja perfectamente en la categoría de arte o diseño y me interesa más si la obra tiene algo significativo que decir. Quiero crear objetos que contribuyan a un diálogo más amplio, en lugar de limitarse a ocupar un espacio.

Muchas de tus obras transforman materiales cotidianos, a menudo pasados por alto, en objetos de una belleza y una perdurabilidad extraordinarias. ¿Cómo influye ese acto de transformación en las historias que esperas que transmitan tus obras?

La transformación siempre ha sido el eje central de mi trabajo. Me encanta la idea de que un material tan común como la arena pueda convertirse en algo que se perciba como precioso, monumental o incluso imposible. Pero también creo que la belleza es una forma increíblemente poderosa de atraer a la gente. Me interesa crear algo que te atraiga visualmente y que, al dedicarle tiempo, revele otra capa de significado. Esa tensión entre la experiencia inmediata de un objeto y las ideas que hay detrás de él es algo en lo que he estado reflexionando mucho últimamente. 

En mis últimos paisajes, por ejemplo, estoy explorando cómo los lugares que parecen extraordinariamente bellos también pueden albergar historias de conflicto, propiedad y división. Los materiales se convierten en una forma de expresar esa complejidad. Es posible que lo primero que te llame la atención de la obra sea su color o su textura, pero espero que, al marcharte, te quedes reflexionando sobre algo que va más allá del propio objeto.

Como parte de la serie «Artful Conversations» de Baccarat, hablarás bajo las emblemáticas lámparas de araña del hotel, que, al igual que tu propio trabajo, rinden homenaje a la transformación de las materias primas a través de la artesanía. En un mundo que cada vez da más prioridad a lo virtual y lo efímero, ¿qué crees que atrae hoy en día a la gente hacia los objetos hechos a mano y las experiencias tangibles?

Creo que estamos viviendo un momento cultural interesante. Gran parte de nuestras vidas transcurre ahora a través de pantallas, y estamos rodeados de imágenes que pueden crearse, manipularse y consumirse casi al instante. Esa experiencia no presenta apenas fricción. Un objeto físico nos exige algo diferente. Ocupa espacio, tiene peso, textura, imperfecciones y una historia sobre cómo se creó. Se puede percibir el tiempo y el trabajo que se invirtieron en su fabricación. Creo que la gente se siente cada vez más atraída por eso porque ofrece algo que el mundo digital no puede replicar por completo.

Lo que me parece especialmente interesante de la artesanía es que representa un conocimiento acumulado. Es algo que se desarrolla a través de la repetición, el fracaso, la experimentación y años de trabajo manual. Sin duda, esa ha sido mi experiencia. Y hay algo maravilloso en mantener esta conversación en Baccarat, donde el cristal y la luz crean una experiencia física tan extraordinaria. Nos recuerda que los materiales siguen teniendo el poder de sorprendernos y que la relación entre un objeto y la persona que lo experimenta puede ser profundamente emotiva.