A areia, o sal e o vidro são materiais com os quais nos deparamos constantemente e sobre os quais raramente nos paramos a pensar. Nas mãos de Fernando Mastrangelo, transformam-se em paisagens esculturais que primeiro cativam o olhar e, com o tempo, revelam as suas histórias mais profundas. É uma transformação que a Baccarat conhece bem: também o cristal começa por ser matéria-prima e torna-se algo luminoso graças ao artesanato.

Nascido nos Estados Unidos e criado em Monterrey, no México, e em Buenos Aires, este artista e designer, que vive em Nova Iorque, estudou escultura e trabalhou com Matthew Barney antes de desenvolver as suas próprias técnicas com areia, sal, sílica e vidro em pó. O seu trabalho integra-se agora nas coleções permanentes do Brooklyn Museum e do Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, e a sua mais recente série, «Territories», explora a terra, a propriedade e o sentimento de pertença. A série «The Artist Series» no Baccarat Hotel de Nova Iorque, com curadoria e produção da Orange York, reúne artistas cujo trabalho reflete esta dedicação aos materiais e ao artesanato. No âmbito desta série, conversámos com Fernando sobre os materiais que aprendeu a moldar, o espaço entre a arte e o design e a razão pela qual o artesanal tem um impacto tão forte num mundo cada vez mais digital.

Em conversa com Fernando Mastrangelo

Passou os seus anos de formação entre os Estados Unidos, o México e a Argentina. Olhando para trás, de que forma essas experiências moldaram a sua compreensão do lugar e como é que essa perspetiva continua a influenciar o seu trabalho hoje em dia?

O facto de ter crescido em diferentes países fez-me perceber desde cedo que a nossa relação com o lugar é incrivelmente subjetiva. Cada país tem a sua própria identidade cultural, arquitetura, paisagem e relação com os materiais. O facto de me deslocar entre eles fez-me tomar consciência dessas diferenças, mas também de até que ponto o ambiente que nos rodeia molda a forma como vemos o mundo.

Penso que essa experiência despertou em mim um fascínio pela paisagem e pela geografia que me tem acompanhado ao longo de toda a minha carreira. Interessa-me a forma como um lugar pode guardar memórias, identidade e história, muitas vezes sem que essas coisas sejam imediatamente visíveis. No meu trabalho recente, a paisagem tornou-se uma forma de explorar essas ideias. O que parece belo ou sereno à superfície pode esconder histórias muito mais complexas por baixo.

A areia, o sal, a sílica e o vidro em pó tornaram-se uma parte essencial da sua linguagem artística. O que o atrai nestes materiais e que possibilidades oferecem que os meios escultóricos mais tradicionais não oferecem?

Sempre me senti atraída por materiais que transmitem uma certa honestidade. A areia, o sal e o vidro são incrivelmente elementares. São materiais com os quais nos deparamos constantemente, mas raramente paramos para refletir sobre eles. Há algo de fascinante em pegar em algo tão familiar e conferir-lhe uma presença totalmente diferente.
O que mais adoro é que estes materiais têm as suas próprias personalidades. A areia tem um peso e uma textura específicos, o sal cristaliza de formas inesperadas e o vidro em pó capta e refrata a luz de forma maravilhosa. Passei anos a desenvolver processos que me permitem manipulá-los, mas há sempre um elemento de imprevisibilidade. De certa forma, tive de inventar o meu próprio ofício em torno destes materiais. Não havia uma técnica estabelecida que eu pudesse simplesmente seguir. Esse processo de experimentação tornou-se tão importante para mim quanto a obra final em si. Acho que é isso que continua a entusiasmar-me: mesmo após um all es anos, ainda há tanto que não descobri.

A sua prática oscila com fluidez entre a escultura e o design de peças de coleção, criando obras que são simultaneamente funcionais e expressivas. O que descobriu através dessa interseção e de que forma isso influenciou a sua forma de pensar sobre a criação?

Sempre achei a distinção entre arte e design um pouco limitadora. Historicamente, criámos estas categorias para nos ajudar a compreender os objetos, mas não creio que um artista tenha necessariamente de trabalhar dentro delas. Para mim, o mobiliário sempre foi mais uma oportunidade para explorar a escultura. Uma mesa ou um armário podem transmitir ideias, evocar emoções e desafiar a nossa compreensão do que um objeto deve ser. O facto de ter uma função implícita não tem de definir o seu valor artístico.
Nos últimos anos, tenho-me interessado cada vez mais em aprofundar essa relação. Preocupo-me menos com o facto de algo se enquadrar perfeitamente na categoria de arte ou design e estou mais interessado em saber se a obra tem algo significativo a dizer. Quero criar objetos que contribuam para uma conversa mais ampla, em vez de simplesmente ocuparem um espaço.

Muitas das suas obras transformam materiais comuns, muitas vezes ignorados, em objetos de notável beleza e durabilidade. De que forma é que esse ato de transformação molda as histórias que espera que o seu trabalho transmita?

A transformação sempre esteve no centro da minha prática. Adoro a ideia de que um material tão comum como a areia possa tornar-se algo que pareça precioso, monumental ou até mesmo impossível. Mas também acho que a beleza é uma forma incrivelmente poderosa de cativar as pessoas. Interessa-me criar algo que nos atraia visualmente e que, depois, revele outra camada de significado à medida que passamos tempo a observá-lo. Essa tensão entre a experiência imediata de um objeto e as ideias por trás dele é algo em que tenho pensado muito ultimamente. 

Nas minhas paisagens recentes, por exemplo, estou a explorar a forma como locais que parecem extraordinariamente belos podem também conter histórias de conflito, propriedade e divisão. Os materiais tornam-se uma forma de expressar essa complexidade. É possível que, à primeira vista, a obra chame a atenção pela cor ou pela textura, mas espero que, ao afastar-se, o espectador fique a refletir sobre algo que vai além do próprio objeto.

No âmbito da série «Artful Conversations» da Baccarat, irá falar sob os icónicos lustres do hotel, que, tal como o seu próprio trabalho, celebram a transformação das matérias-primas através do artesanato. Num mundo que dá cada vez mais prioridade ao virtual e ao efémero, o que acha que atrai hoje as pessoas para os objetos feitos à mão e para as experiências tangíveis?

Acho que estamos a viver um momento cultural interessante. Grande parte das nossas vidas decorre agora através de ecrãs, e estamos rodeados de imagens que podem ser criadas, manipuladas e consumidas quase instantaneamente. Há muito pouca resistência nessa experiência. Um objeto físico exige algo diferente de nós. Ocupa espaço, tem peso, textura, imperfeições e uma história sobre a forma como surgiu. É possível sentir o tempo e o trabalho que foram necessários para o criar. Acho que as pessoas se sentem cada vez mais atraídas por isso, porque oferece algo que o mundo digital não consegue replicar na totalidade.

O que acho particularmente interessante no artesanato é que este representa um conhecimento acumulado. É algo que se desenvolve através da repetição, do fracasso, da experimentação e de anos de trabalho manual. Essa tem sido, sem dúvida, a minha experiência. E há algo de maravilhoso em ter esta conversa na Baccarat, onde o cristal e a luz criam uma experiência física tão extraordinária. É uma lembrança de que os materiais ainda têm o poder de nos surpreender e de que a relação entre um objeto e a pessoa que o experimenta pode ser profundamente emocional.