砂、塩、ガラスは、私たちが日常的に目にするものの、めったに意識することのない素材です。フェルナンド・マストランジェロの手にかかると、それらはまず視線を惹きつけ、時が経つにつれてその奥深い物語を明かしていく彫刻的な風景へと生まれ変わります。これは、バカラがよく知る変容の過程でもあります。クリスタルもまた、原石から始まり、職人技によって輝きを放つものへと変貌を遂げるのです。

米国で生まれ、メキシコのモンテレイやブエノスアイレスで育ったこのニューヨークを拠点とするアーティスト兼デザイナーは、彫刻を学び、マシュー・バーニーの下で活動した後、砂、塩、シリカ、ガラス粉末を用いた独自の技法を確立しました。現在、彼の作品はブルックリン美術館やクーパー・ヒューイット・スミソニアン・デザイン美術館の常設コレクションに収蔵されており、最新シリーズ『Territories』では、土地、所有権、帰属感といったテーマを探求しています。Baccarat Hotel ニューヨークで開催される「アーティスト・シリーズ」は、Orange Yorkがキュレーションとプロデュースを手掛け、素材と職人技へのこだわりが作品に反映されているアーティストたちを集めたものです。本シリーズの一環として、フェルナンド氏に、彼が形作ることを学んだ素材、アートとデザインの境界、そしてデジタル化が進む現代社会において、なぜ手作りの作品がこれほど強く共感を呼ぶのかについて話を伺いました。

フェルナンド・マストランジェロとの対談

あなたは成長期をアメリカ、メキシコ、アルゼンチンの3カ国で過ごしました。振り返ってみると、それらの経験は「場所」に対するあなたの理解にどのような影響を与えましたか。また、その視点は現在もどのようにあなたの作品に反映され続けているのでしょうか。

さまざまな国で育った経験から、私たちが「場所」と築く関係は極めて主観的なものであるということを、幼い頃から理解するようになりました。どの国にも、独自の文化的アイデンティティ、建築様式、景観、そして素材との関わり方があります。そうした国々を行き来する中で、それらの違いを実感すると同時に、私たちの周囲の環境が、世界の見方をどれほど形作っているかということに気づかされました。

その経験が、私のキャリアを通じてずっと持ち続けている、風景や地理への強い関心を生み出したのだと思います。私は、ある場所が、たとえそれらがすぐには目に見えないとしても、いかにして記憶やアイデンティティ、歴史を内包し得るのかという点に関心を持っています。最近の作品では、風景がそうした考えを探求する手段となっています。表面的には美しく、あるいは穏やかに見えるものにも、その裏にははるかに複雑な物語が潜んでいることがあるのです。

砂、塩、シリカ、そして粉砕されたガラスは、あなたの芸術表現において欠かせない要素となっています。これらの素材に惹かれる理由は何ですか？また、それらは、より伝統的な彫刻の素材にはないどのような可能性を秘めているのでしょうか？

私は昔から、ある種の「正直さ」を備えた素材に惹かれてきました。砂、塩、ガラスは、極めて根源的な素材です。これらは私たちが日常的に目にするものですが、立ち止まってじっくりと考えることはめったにありません。これほど身近なものに、まったく異なる存在感を与えることには、何か魅力的なものがあります。
私が最も気に入っているのは、これらの素材がそれぞれ独自の個性を持っていることです。砂には独特の重みと質感があり、塩は思いがけない形で結晶化し、粉状のガラスは光を美しく捉えて屈折させます。 私はこれらを自在に操れるよう、長年にわたり制作プロセスを開発してきましたが、そこには常に予測不可能な要素が潜んでいます。ある意味、私はこれらの素材に合わせて独自の技法を編み出さなければなりませんでした。単に真似すればよいような確立された技法など存在しなかったのです。その試行錯誤のプロセスは、私にとって完成した作品そのものと同じくらい重要なものとなっています。それが今も私をワクワクさせ続けている理由だと思います。all これだけの年月が経っても、まだ発見していないことが山ほどあるのですから。

あなたの創作活動は、彫刻とコレクタブル・デザインの境界を自在に行き来し、機能性と表現性を兼ね備えた作品を生み出しています。その交差点を通じて、どのような発見がありましたか？また、それはあなたの制作に対する考え方にどのような影響を与えましたか？

私は以前から、アートとデザインの区別には少し制限を感じています。歴史的に見れば、物事を理解しやすくするためにこうしたカテゴリーが設けられてきましたが、アーティストが必ずしもその枠組みの中で制作しなければならないとは思いません。私にとって、家具は常に彫刻を探求するもうひとつの機会でした。テーブルやキャビネットは、アイデアを伝え、感情を呼び起こし、物とは本来どうあるべきかという私たちの理解に疑問を投げかけることができます。 そこに暗黙の機能が備わっているという事実が、その芸術的価値を決定づける必要はないのです。
ここ数年、私はその関係をさらに深めることにますます興味を抱くようになりました。作品が「アート」や「デザイン」というカテゴリーにきっちりと収まるかどうかにはあまり関心がなく、むしろその作品に意味のあるメッセージが込められているかどうかに関心があります。単に空間を占めるだけでなく、より大きな対話に貢献するようなオブジェクトを創り出したいのです。

あなたの作品の多くは、ありふれていて、しばしば見過ごされがちな素材を、驚くほど美しく、永続性のある作品へと変容させています。その変容の過程は、作品を通じて伝えたいと願う物語に、どのような影響を与えているのでしょうか？

変容は、常に私の創作活動の中心にありました。 砂のようなありふれた素材が、貴重で、記念碑的、あるいは不可能さえ思えるようなものへと変容するという発想が、私は大好きです。しかし同時に、美は人々を惹きつける極めて強力な手段でもあると考えています。私は、視覚的に観る者を引きつけ、じっくりと向き合うことで新たな意味の層が浮かび上がってくるような作品を作ることに興味を持っています。作品そのものを直感的に体験することと、その背後にある思想との間にある緊張感――最近、私はこのことについて深く考えを巡らせています。 

例えば、私の最近の風景画では、並外れて美しく見える場所が、同時に紛争や所有権、分断といった歴史を内包し得ることを探求しています。素材は、その複雑さを表現する手段となります。鑑賞者はまずその色彩や質感に惹かれて作品と出会うかもしれませんが、作品そのものを超えた何かについて考えながら、その場を後にしていただければ幸いです。

バカラの「アートフル・カンバセーションズ」シリーズの一環として、ホテルの象徴的なシャンデリアの下で講演を行っていただきます。これらのシャンデリアは、ご自身の作品と同様に、職人技によって原材料が変容していく過程を称えるものです。バーチャルや儚いものがますます重視される現代において、今日、人々を手作りの品や実体のある体験へと惹きつける要因は何だとお考えですか？

私たちは今、興味深い文化的転換期を迎えていると思います。現代の私たちの生活の多くはスクリーンを通じて行われており、ほぼ瞬時に作成・加工・消費される画像に囲まれています。その体験にはほとんど抵抗感はありません。 一方、実物の物体は私たちに別の何かを求めます。それは空間を占め、重さや質感、不完全さ、そしてそれがどのようにして生まれたかという歴史を持っています。その制作に費やされた時間と労力を肌で感じることができます。デジタル世界では完全には再現できない何かを提供してくれるからこそ、人々はますますそれに惹かれているのだと思います。

私が職人技について特に興味深いと感じるのは、それが蓄積された知識の結晶であるという点です。それは、繰り返しの作業、失敗、試行錯誤、そして長年にわたる手作業を通じて培われてきたものです。それはまさに私自身の経験でもあります。そして、クリスタルと光がこれほどまでに素晴らしい五感の体験を生み出すバカラで、このような対話を交わすことには格別な魅力があります。それは、素材には今なお私たちを驚かせる力があり、物とそれを体験する人との間には、深く感情的な結びつきが生まれることを改めて実感させてくれるのです。