Sand, Salz und Glas sind Materialien, denen wir ständig begegnen, über die wir aber selten nachdenken. In den Händen von Fernando Mastrangelo verwandeln sie sich in skulpturale Landschaften, die zunächst den Blick auf sich ziehen und erst mit der Zeit ihre tieferen Geschichten offenbaren. Es ist eine Verwandlung, die Baccarat nur allzu gut kennt: Auch Kristall beginnt als Rohstoff und wird durch handwerkliches Können zu etwas Leuchtendem.

Der in den Vereinigten Staaten geborene und in Monterrey (Mexiko) sowie Buenos Aires aufgewachsene, heute in New York lebende Künstler und Designer studierte Bildhauerei und arbeitete unter Matthew Barney, bevor er seine eigenen Techniken mit Sand, Salz, Quarz und Glaspulver entwickelte. Seine Werke sind heute Teil der ständigen Sammlungen des Brooklyn Museum und des Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, und seine neueste Serie „Territories“ setzt sich mit den Themen Land, Eigentum und Zugehörigkeit auseinander. Die „Artist Series“ im „ Baccarat Hotel “ in New York, kuratiert und produziert von Orange York, vereint Künstler, deren Arbeit diese Hingabe an Material und Handwerk widerspiegelt. Im Rahmen der Reihe sprachen wir mit Fernando über die Materialien, die er zu formen gelernt hat, den Raum zwischen Kunst und Design und darüber, warum das Handgemachte in einer zunehmend digitalen Welt so stark nachhallt.

Im Gespräch mit Fernando Mastrangelo

Sie haben Ihre prägenden Jahre in den Vereinigten Staaten, Mexiko und Argentinien verbracht. Wenn Sie zurückblicken: Inwiefern haben diese Erfahrungen Ihr Verständnis von „Ort“ geprägt, und wie fließt diese Perspektive auch heute noch in Ihre Arbeit ein?

Da ich in verschiedenen Ländern aufgewachsen bin, wurde mir schon früh bewusst, dass unsere Beziehung zu einem Ort unglaublich subjektiv ist. Jedes Land hat seine eigene kulturelle Identität, Architektur, Landschaft und seinen eigenen Umgang mit Materialien. Durch das Leben in verschiedenen Ländern wurden mir diese Unterschiede bewusst, aber auch, wie sehr unsere Umgebung unsere Sicht auf die Welt prägt.

Ich glaube, diese Erfahrung hat in mir eine Faszination für Landschaft und Geografie geweckt, die mich während meiner gesamten beruflichen Laufbahn begleitet hat. Mich interessiert, wie ein Ort Erinnerungen, Identität und Geschichte in sich tragen kann, oft ohne dass diese Dinge auf den ersten Blick erkennbar sind. In meinen jüngsten Arbeiten ist die Landschaft zu einem Mittel geworden, diese Ideen zu erforschen. Was oberflächlich betrachtet schön oder friedlich wirkt, kann im Verborgenen weitaus komplexere Geschichten bergen.

Sand, Salz, Quarz und Glaspulver sind zu einem prägenden Bestandteil Ihrer künstlerischen Ausdrucksweise geworden. Was reizt Sie an diesen Materialien, und welche Möglichkeiten bieten sie, die traditionellere bildhauerische Materialien nicht bieten?

Ich habe mich schon immer zu Materialien hingezogen gefühlt, die eine gewisse Ehrlichkeit ausstrahlen. Sand, Salz und Glas sind unglaublich elementar. Es sind Materialien, denen wir ständig begegnen, über die wir aber selten nachdenken. Es hat etwas Faszinierendes, etwas so Vertrautes zu nehmen und ihm eine völlig andere Präsenz zu verleihen.
Was ich am meisten liebe, ist, dass diese Materialien ihre eigene Persönlichkeit haben. Sand hat ein ganz bestimmtes Gewicht und eine besondere Textur, Salz kristallisiert auf unerwartete Weise, und Glaspulver fängt das Licht ein und bricht es auf wunderschöne Weise. Ich habe Jahre damit verbracht, Verfahren zu entwickeln, mit denen ich sie bearbeiten kann, aber es bleibt immer ein Element der Unvorhersehbarkeit. In gewisser Weise musste ich mein eigenes Handwerk rund um diese Materialien erfinden. Es gab keine etablierte Technik, der ich einfach folgen konnte. Dieser Prozess des Experimentierens ist für mich genauso wichtig geworden wie das fertige Werk selbst. Ich glaube, das ist es, was mich immer wieder begeistert: Selbst nach all den Jahren all gibt es noch so viel, was ich noch nicht entdeckt habe.

Ihre Arbeit bewegt sich fließend zwischen Skulptur und Sammlerdesign und schafft Werke, die sowohl funktional als auch ausdrucksstark sind. Was haben Sie durch diese Schnittstelle entdeckt, und wie hat sie Ihre Herangehensweise an das Schaffen beeinflusst?

Ich habe die Unterscheidung zwischen Kunst und Design schon immer als etwas einschränkend empfunden. Historisch gesehen haben wir diese Kategorien geschaffen, um Objekte besser zu verstehen, aber ich glaube nicht, dass ein Künstler sich zwangsläufig an sie halten muss. Für mich waren Möbel schon immer eine weitere Möglichkeit, mich mit Skulptur auseinanderzusetzen. Ein Tisch oder ein Schrank kann Ideen vermitteln, Emotionen wecken und unser Verständnis davon, was ein Objekt eigentlich sein soll, in Frage stellen. Die Tatsache, dass ein Objekt eine implizite Funktion hat, muss seinen künstlerischen Wert nicht bestimmen.
In den letzten Jahren habe ich zunehmend Interesse daran entwickelt, diese Beziehung weiter voranzutreiben. Es geht mir weniger darum, ob etwas nahtlos in die Kategorie Kunst oder Design passt, sondern vielmehr darum, ob das Werk etwas Sinnvolles zu sagen hat. Ich möchte Objekte schaffen, die zu einem größeren Diskurs beitragen, anstatt lediglich Raum einzunehmen.

In vielen Ihrer Werke verwandeln Sie alltägliche, oft übersehene Materialien in Objekte von bemerkenswerter Schönheit und Beständigkeit. Inwiefern prägt dieser Verwandlungsprozess die Geschichten, die Sie mit Ihren Werken vermitteln möchten?

Veränderung stand schon immer im Mittelpunkt meiner künstlerischen Arbeit. Ich liebe die Vorstellung, dass ein so alltägliches Material wie Sand zu etwas werden kann, das sich kostbar, monumental oder sogar unmöglich anfühlt. Aber ich glaube auch, dass Schönheit ein unglaublich wirkungsvolles Mittel ist, um Menschen anzusprechen. Mein Interesse gilt der Schaffung von etwas, das einen visuell in seinen Bann zieht und dann, wenn man sich Zeit nimmt, sich damit auseinanderzusetzen, eine weitere Bedeutungsebene offenbart. Diese Spannung zwischen der unmittelbaren Erfahrung eines Objekts und den Ideen, die dahinter stehen, beschäftigt mich in letzter Zeit sehr. 

In meinen jüngsten Landschaftsbildern setze ich mich beispielsweise damit auseinander, wie Orte, die außergewöhnlich schön erscheinen, zugleich eine Geschichte voller Konflikte, Besitzverhältnisse und Spaltungen in sich tragen können. Die Materialien dienen dabei als Mittel, diese Komplexität zum Ausdruck zu bringen. Vielleicht fällt einem das Werk zunächst durch seine Farbe oder Textur ins Auge, aber hoffentlich denkt man beim Verlassen der Ausstellung über etwas nach, das über das Objekt selbst hinausgeht.

Im Rahmen der Reihe „Artful Conversations“ von Baccarat werden Sie unter den legendären Kronleuchtern des Hotels sprechen, die – genau wie Ihre eigenen Werke – die Verwandlung von Rohstoffen durch handwerkliches Können zelebrieren. Was zieht Ihrer Meinung nach die Menschen heute zu handgefertigten Objekten und greifbaren Erlebnissen hin – in einer Welt, in der das Virtuelle und das Vergängliche immer mehr an Bedeutung gewinnen?

Ich glaube, wir erleben gerade einen interessanten kulturellen Moment. Ein Großteil unseres Lebens spielt sich mittlerweile über Bildschirme ab, und wir sind von Bildern umgeben, die fast augenblicklich erstellt, bearbeitet und konsumiert werden können. Diese Erfahrung verläuft nahezu reibungslos. Ein physischer Gegenstand stellt andere Anforderungen an uns. Er nimmt Raum ein, hat Gewicht, Textur, Unvollkommenheiten und eine Entstehungsgeschichte. Man spürt die Zeit und die Arbeit, die in seine Herstellung geflossen sind. Ich glaube, die Menschen fühlen sich zunehmend davon angezogen, weil er etwas bietet, was die digitale Welt nicht vollständig nachbilden kann.

Was ich an Handwerkskunst besonders interessant finde, ist, dass sie gesammeltes Wissen verkörpert. Sie ist das Ergebnis von Wiederholung, Fehlschlägen, Experimenten und jahrelanger handwerklicher Arbeit. Das entspricht jedenfalls meiner Erfahrung. Und es hat etwas Wunderbares, dieses Gespräch bei Baccarat zu führen, wo Kristall und Licht ein so außergewöhnliches sinnliches Erlebnis schaffen. Es erinnert uns daran, dass Materialien nach wie vor die Kraft haben, uns zu überraschen, und dass die Beziehung zwischen einem Objekt und dem Menschen, der es erlebt, zutiefst emotional sein kann.